Johannes Brahms

5 Intermezzi

Vorwort

Johannes Brahms’ "Drei Intermezzi" op. 117 für Klavier solo, komponiert im Jahr 1892, stellen einen der Höhepunkte seines spätromantischen Klavierwerks dar. Diese "Wiegenlieder für meine Sorgen", wie der Komponist sie selbst bezeichnete, zeichnen sich durch intensive Melancholie, Introspektion und einen äußerst raffinierten Klavierstil aus.

Insbesondere das erste Intermezzo in Es-Dur ist dafür bekannt, dass ihm in der Partitur zwei Strophen einer alten schottischen Ballade vorangestellt sind: "Lady Anne Bothwell’s Lament", die von Johann Gottfried Herder ins Deutsche übersetzt wurden:



Schlaf sanft, mein Kind, schlaf sanft und schön!

Mich dauert's sehr, dich weinen sehn.

Schlaf friedlich, mein Kind, schlaf friedlich und süß!

Es schmerzt mich sehr, dich weinen zu sehen.

Die Atmosphäre dieser Stücke inspirierte mich dazu, ihr klangfarbenes Potenzial über die Klaviatur hinaus zu erkunden. Die Arbeit an diesen Transkriptionen zeigt, wie Ausdruckskraft, die Erforschung von Klangfarben in Verbindung mit den zahlreichen klanglichen Möglichkeiten zu den entscheidenden Merkmalen werden, die diese Transkriptionen auf meinem Instrument – der klassischen Gitarre – auszeichnen. Die musikalische Transkription ist ein Akt der Interpretation, der darauf abzielt, neue Facetten des Originalwerks zu offenbaren und eine neue Perspektive auf dessen Struktur und emotionale Dynamik zu bieten, ohne dessen Wesen zu verfälschen.

Dieser Band vereint meine Transkriptionen der Intermezzi op. 117 Nr. 1, 2 und 3 für Gitarre. Das Hauptziel bestand darin, die ursprüngliche Zartheit durch die spezifischen klanglichen Eigenschaften des Zupfinstruments zu bewahren und gleichzeitig der Klavierpartitur von Brahms treu zu bleiben. Ich habe versucht, die Melodie auf die Zwischenstimmen auszubalancieren, wie es die ursprüngliche polyphone Struktur nahelegt. Die technischen und mechanischen Aspekte dieser Transkriptionen sind von grundlegender Bedeutung, um die harmonische Dichte mit der melancholischen Süße der Melodie zu verschmelzen, da sie eine technische Frische und manuelle Flexibilität erfordern, die den Meisterwerken Brahms’ gerecht werden.

Dieses Werk verdeutlicht nicht nur Brahms’ Genialität und seine Fähigkeit, zutiefst persönliche musikalische "Monologe" zu schaffen, sondern dient auch als Beispiel dafür, dass die Gitarre über eine Anpassungsfähigkeit und einen unverwechselbaren Charakter verfügt, die anderen Instrumenten fehlen.

Johannes Brahms’ Intermezzo op. 76 Nr. 7 gilt als einer der Höhepunkte seines reifen Klavierwerks. Das 1878 komponierte Stück zeichnet sich durch eine intime Lyrik und einen harmonischen Reichtum aus, der ihm eine orchestrale oder kammermusikalische Qualität verleiht.

In meiner Transkription für klassische Gitarre war es mein Hauptanliegen, die schwebende Atmosphäre und den kantablen Charakter der Originalmelodie zu bewahren. Die Tonart a-Moll und Brahms’ polyphone Kompositionsweise finden auf dem Griffbrett der Gitarre eine neue und unerwartete Resonanz: Die einhüllenden Harmonien und subtilen Modulationen werden durch das warme Timbre und die Ausdrucksmöglichkeiten der gezupften Saiten noch verstärkt.

Obwohl die Transkription einen sorgfältigen Umgang mit den Stimmen und eine fließende Legato-Technik erfordert, gelingt es der Gitarre, jene für den späten Brahms typische herbstliche Melancholie unverfälscht zu vermitteln und bietet dem Interpreten eine interpretatorische Herausforderung von seltener Schönheit.

Das Intermezzo op. 116 Nr. 2 gehört zur letzten Schaffensphase von Johannes Brahms, einer Zeit, in der sich der Komponist von monumentaler Virtuosität abwandte, um sich "kurzen Momenten der Qual" zu widmen, wie er seine letzten Klavierzyklen selbst gerne beschrieb.

Die Bearbeitung für klassische Gitarre bedeutet jedoch, sich mit einer musikalischen Sprache auseinanderzusetzen, in der die Instrumentaltechnik komplex und vielschichtig wird. Sie erfordert eine gute Flüssigkeit und Flexibilität, um die richtigen Pausen, klanglichen Nuancen und eine Polyphonie zu schaffen, die innerhalb des Stücks transparent wird. In dieser Fassung habe ich versucht, den ursprünglichen Rhythmus und den Reichtum der inneren Stimmen zu bewahren, indem ich verschiedene Lagen auf dem Griffbrett und eine besondere Stimmung nutze, um jene herbstlichen Klangfarben wiederzugeben, die Brahms’ Musik zu einem intimen Dialog zwischen dem Interpreten und dem Instrument machen.

Im Bewusstsein der Bewunderung, die diesen Repertoires entgegengebracht wird, und zugleich der Wehmut darüber, dass viele große Komponisten die Gitarre nicht als ihr bevorzugtes Instrument gewählt haben, hoffe ich, dass das Spielen und das Studium dieser Transkriptionen Musikern und Zuhörern eine bereichernde und anregende Erfahrung bieten, die den Geist auf der Suche nach neuen Repertoires beflügelt und zugleich die Dankbarkeit für diese zeitlosen Meisterwerke erneuert.



Simone Cutuli